2 de diciembre de 2013

PAOLA DENEGRI: EL COLLAGE REGRESA A LIMA


Paola Denegri (foto cortesía de Caretas)



El 13 de noviembre de 2013, la artista plástica Paola Denegri, de nacionalidad peruana, inauguró en la galería de San Isidro, Vértice, su exposición titulada "Ojo que ve, corazón lo siento" de dibujos y collages. La muestra ha caído como una grata sorpresa en el ambiente artístico de Lima, pues hacía mucho tiempo que no se realizaba en nuestra capital una muestra dedicada de preferencia a la técnica del collage.



En esta oportunidad Paola Denegri presenta una veintena de logrados trabajos que vienen siendo bien recibido por el público y conocedores de arte. Asimismo, no dudamos que otros jóvenes artistas seguirán su camino y buscarán expresarse en esta técnica, engañosamente fácil, que ha sido cultivada por grandes artistas internacionales. Se nos viene a la mente nombres de genios como los de Matisse, Picasso y miembros de la Escuela de París que han cultivado el collage de manera excepcional. 

A continuación les alcanzamos una interesante entrevista concedida por la artista plástica, Paola Denegri, así como fotos de algunos de sus trabajos exhibidos en la elegante galería Vértice. Estamos seguros que en un futuro próximo Paola Denegri, espíritu inquieto e investigador, nos sorprenderá con otras obras suyas.

La muestra está abierta al público hasta el 13 de diciembre de 2013. Galería Vértice está ubicada en Ernesto Plascencia 350, San Isidro, Lima. Teléfono 421 – 3856. El horario de la galería es de Lunes a Jueves de 11 a 2 y de 3 a 8. Viernes es de 11 a 2 y de 3 a 6. Sabado de 4 a 7.

Galería Vértice




Siendo una destacada fotógrafa profesional, ¿cómo fue que decidiste trabajar en collages?
Porque a mí me gustan las artes visuales en general. La fotografía es una de ellas. ¿Por qué no experimentar con otras técnicas visuales? Yo tengo formación académica en fotografía, que agradezco, pero al tratar de conocer otras formas visuales, me escapo del rigor académico, del “Debo”, por eso digo experimentar. 

Háblanos de tu formación. ¿En qué escuela estudiaste y con qué maestros?
Mi formación es un poco sui generis, porque empecé con psicología en la Universidad Católica, especialidad clínica, luego estudie fotografía en New England School of Photography (2 años). Me dedique a la fotografía, mención retratos (jajá), pero nunca deje de mirar o estudiar otras técnicas. Viví en Cusco casi un año, y quede fascinada con la escuela cusqueña. Luego me fui a Canadá y he seguido estudiando, desde técnicas y programas digitales hasta lo que estoy haciendo ahora que es trabajar con papel japonés. He tomado muchos talleres en esta materia y estos collages son el resultado de todo eso y de mi propia experimentación. Porque francamente no he visto a otra persona que corte estos maravillosos y finos papeles en mil pedacitos para construir una obra sobre papel (lo cual me produce cierta culpa). Paralelamente he terminado una especialización en arte terapia, lo cual ha sido invalorable en mi exploración del lado derecho del cerebro que se ha plasmado en esta obra.

He tenido profesores buenos en todos los lugares a los que fui. Recuerdo con especial admiración a un profesor norteamericano que tuve y a otra canadiense porque su enseñanza fue más allá de la materia de estudio y le dio un poco de luz a otros aspectos de mi vida.

¿Te hubiera gustado desarrollar tu arte en otro lugar y época?
No. Porque he viajado y vivido en otros lugares y sé que no hay un lugar perfecto. Aunque estar en el lugar indicado a la hora indicada te abre muchas puertas (me imagino: ¡Nueva York o Londres!).

De la historia del arte, ¿quiénes son tus artistas favoritos?
Cuando era chica y descubrí el arte, no solo me fascinaba Van Gogh, hubiese querido ser él, reencarnado, porque su obra realmente me emocionaba. Me encanta Joao Miro, encuentro tanta música en su obra. Chagal para mi tiene algo de magia. Recientemente, tuve la suerte de ver en el museo de Chicago unos vitrales gigantes que hizo. ¡Fantásticos! Y bueno, Picasso, por su tremenda versatilidad. 

¿Favor describe un típico día de trabajo en tu taller?
Un día típico en mi taller consiste de muchas horas dedicadas a sacar adelante lo que hay en mi cerebro. Trabajo casi todos los días de la semana. Hay días que trabajo bastante más que ocho horas y otros, que trabajo un poco menos. Pero, al final de la semana, hay muchas horas, como cualquier persona que se dedica a su oficio.

¿Cuánto tiempo has demorado para preparar este muestra de collage?
He trabajado un poco menos de dos años. Es un trabajo con mucho detalle, es como que parto de pedacitos para llegar al todo.

¿Qué materiales has utilizado para hacer los collages?
He utilizado papel japonés hecho a mano de todo tipo, es decir de diferentes espesores, colores y otro tipo de clasificaciones. También tinta e hilos, en algunos casos.

En tu trabajo artístico, ¿qué es más importante, inspiración o transpiración?
Ambas. Trabajo por muchas horas para que mi inspiración se materialice. Callar al hemisferio izquierdo (de mi cerebro) y dejarme ser en el derecho requiere de harta transpiración.

¿Cómo inicias tu proceso creativo? ¿Con o sin una idea preconcebida?
Empiezo garabateando, sin idea preconcebida. Pero cuando empiezo a darle nombre a las cosas que empiezan a aparecer, empieza a haber una idea a la cual trato de dar forma. Lo paradójico es que cuando entran los pedacitos de papel a dar forma a esa idea empieza el conflicto porque el cerebro izquierdo empieza su trabajo. Entonces tengo que transpirar para dejar que el derecho se manifieste. A veces, después de muchas horas o de varios días de trabajo, siento que llego a un estado más contemplativo, en el que las cosas fluyen y van cobrando su propia forma. Ese estado, para mí es muy placentero.

Además de collage, ¿qué otras técnicas plásticas cultivas y con qué frecuencia?
Las que de verdad practico con frecuencia y regularidad son la fotografía, el óleo, y técnica mixta que también incluye la computadora. Pero, en esta obra, es todo dibujo, papel, collage con muchas capas (es puro trabajo manual)

Si tuvieras la oportunidad de robar un cuadro de tu gusto para tu colección de cualquier museo en el mundo, ¿cuál escogería y por qué razón?
Uno de Picasso que vi en Toronto, muy grande, que era dibujo y oleo; los trazos en grafito se veían claramente y había espacio en el que se veía el soporte. Me impresionó el tamaño, la aplicación libre del color y el dibujo que era también muy libre. Le daría el título de “Sin límites”. Pero, robaría feliz alguno de Tola que vi en su última muestra.

¿Seguirás realizando otros trabajos de collage?
Tengo la pésima costumbre de acabar con una muestra y empezar a explorar ferozmente una técnica totalmente diferente. Yo creo que voy madurando, así que continuare explorando más en el collage. Este trabajo da para más. Entretanto, como sé que necesito un material que fluya voy a hacer un poco de oleo como para descansar de los cortes y de la minuciosidad. Así, después, regreso al collage con más fuerza.

¿Qué planes tienes para el futuro inmediato?
Seguir trabajando en el arte, sino enloquezco. También me gustaría hacer un poco de arte terapia y retomar mis retratos. ¿Por qué no?


Ojo que ve



El árbol de la vida

El útero de mi madre y mi corazón
Acto de balance

Primavera en el Ártico 

Mis Heraldos Negros


Reina de corazones

Salto al vacío


Carmina García y Paola Denegri




23 de noviembre de 2013

WINSTON ORRILLO: POESÍA ESENCIAL







Winston Orrillo (1941)

Ocurrió antes de ayer, el 16 de noviembre del 2013, un sábado de primavera, al medio día exacto. El sol brillaba, pero no quemaba. La cita era en el parque Central del distrito de Barranco. Todos los concurrentes éramos amantes de la poesía. La ocasión nos convocaba para atestiguar la presentación de la más reciente publicación de Winston Orrillo, el poeta, el crítico de literatura, el catedrático, el cien por ciento sanmarquino. El nuevo hijo de Orrillo es Poesía esencial (Antología personal) 1965-2013. Aunque Winston y su poesía son conocidas tanto en el Perú como en muchos países, para los habitantes de lejanas latitudes nos permitimos reproducir las líneas que van en la contra carátula de Poesía esencial. Finalmente, a modo de cierre, reproducimos Poema mujer ciclón (2013) poema de gran fuerza y belleza, inédito hasta el domingo pasado, y que es prueba que Winston Orrillo sigue tan vital como cuando en la década de los sesenta, llamado por los poetas "los happy sixties", publicó su primer libro de poemas. 

Contracarátula:
A manera de colofón de 40 Poemas de Años, el gran poeta Arturo Corcuera escribió las siguientes palabras sobre Winston Orrillo, que nos parece oportuno reproducir:

Celebramos y saludamos la presencia de la poesía de Winston Orrillo. En sus versos vemos destacarse las dos vertientes fundamentales y nítidas de su producción: la poesía amorosa, Sustancialmente erótica, destinada a exaltar la belleza de la mujer y reverenciar su encuentro jubiloso. Y también, como necesario complemento, la poesía de acento político, vibrante, de verso imprecatorio. 

Estas dos vetas configuran, en su equilibrio, el perfil poético de Winston Orrillo, y constituyen, además, los cauces de una poesía de timbre propio que transparenta, como pocas, la imagen conflictiva y apasionante del tiempo que nos ha tocado vivir. 

Winston Orrillo cumple así, como escritor, una notable trayectoria que abarca los campos de la poesía, el periodismo, la actividad editorial, la crítica y la incisiva polémica literaria, cualidades que hacen, de él, una de las personalidades más vitales y más controversiales de las letras peruanas de hoy.”

Parque Central de Barranco

Winston Orrillo rodeado de amigos, concluido el evento.

El poeta Winston Orrillo y el narrador Gonzalo Mariátegui.

Winston Orrillo rodeado de sus alumnos, después de la ceremonia.


POEMA MUJER CICLÓN (2013)

Amo a
una mujer
parecida
a un ciclón.

Me trajo
hasta la vida.
Me empapa.

Con su vida.

Me arranca
del insomnio
y me engrilla
en el día
allende mis
noctívagos
arabescos
autistas.

Esta mujer
solfeo
se empapa
cuando le hablo
y mana de
sus fuentes
maná
para mis gárgolas.

¡Y ella lo sabe todo!

Es nena
y es antigua
95
guirnalda
de mis vidas
que hogaño
condecora.

Me iza
hasta su altura.

Me desata.

Los versos
y arranca
los colgajos
de las escoriaciones.

Es mi destilería
mi hamaca
y el badajo
con que invoco
a la vida.

Aullé al reconocerla
(o es ella la que supo
–detrás de los ropajes
de tantos siglos yertos–
desatar mis canciones).

Yo aquí honro
a aquella lumbre
con que escalo
hasta el cielo
que está
en el crisantemo
que tiene
entre las piernas.



16 de octubre de 2013

SINISA TESANKIC: PASIÓN POR EL COLOR; SINISA TESANKIC: PASSION FOR COLOR


Sinisa Tesankic (1949) 

ESPAÑOL (TRADUCCIÓN DEL INGLES):

¿Una de las cosas gratas de las redes sociales es que se descubren artistas plásticos que están trabajando en distintas partes del mundo. En esta oportunidad nos encontramos con Sinisa Tesankic, artista plástico, nacido en Vrbanja, Croacia. Cultiva tanto el arte figurativo como el abstracto. De preferencia el abstracto. Aunque no la conocemos personalmente por la entrevista que nos ha concedido descubrimos que es una persona consagrada al arte. En sus cuadros descubrimos una pasión por el color.

Cómo fue que decidió dedicar su vida al arte?
En mi juventud a menudo observaba a mi padre, abuelo y otros miembros de mi familia mientras creaban arte. Mediante esta oportunidad de poder observar, un gran amor por las artes fue creciendo dentro de mí. Desde entonces he dedicado mi vida a las artes.

Háblenos de su formación plástica. ¿En qué escuela estudió y con qué maestros?
Estudié en la Universidad de Zabreg donde conocí a Mladen Veza, un gran pintor croata. Se convirtió en mi profesor y modelo a seguir.

De la historia del arte, ¿cuáles son sus artistas favoritos?
Mi artista favorito es el escultor Peter Smajic.

¿Le hubiera gustado pintar en otro lugar y época?
Me encantaría trabajar en otras partes del mundo, especialmente en países en desarrollo, porque a mi parecer las artes ayudan a las personas de diferentes maneras: al crear algo, las personas artísticas pueden expresar sus experiencias cotidianas o ideas sobre la vida y a la vez logran distraerse de su vida cotidiana.

¿Cómo es un día de trabajo plástico de Sinisa Tesankic?
Mi vida laboral usualmente comienza con una caminata en contacto con la naturaleza, lo cual a menudo me sirve de inspiración para nuevas ideas. Luego voy a mi estudio y empiezo a colocar estas ideas sobre lienzo. Normalmente no ceso de pintar hasta lograr plasmar mi propia idea sobre el lienzo.

¿Cuántos días de la semana dedica a la pintura?
No pasa un día en yo no que pinte o dibuje, aunque sea para hacer apuntes.

En su trabajo artístico, ¿qué es más importante, inspiración o traspiración?
Los dos.

¿Por qué prefiere pintura de pared en vez de óleo o pintura acrílica?
Prefiero óleo, acrílico y acuarela. 

¿Por qué prefiere pintar abstracto en vez de figurativo?
Porque puedo expresarme con más libertad.

Además de la pintura, ¿qué otras técnicas plásticas practica y con qué regularidad?
Trabajo con regularidad como escultor.

Si tuviera la oportunidad de robar de cualquier museo del mundo una obra para tu propia colección, ¿cuál escogería?
Emil Schumacher.

¿Cómo evalúa la actual escena artística en Croacia?
La escena artística en Croacia es muy innovadora.

Una última pregunta. En Croacia, ¿qué debe hacer un artista para vender sus obras?
Debe exhibir mucho y construir una buena red.

ENTREVISTA EN INGLES:

One of the satisfactory things of the social networks is that we find plastic artists that are working all over the world. In this opportunity we have run into Sinisa Tesankic, a Croatian artist born in Vrbanja. He works both in figurative and abstract art. Preferably in abstract. Though we don´t know him personally, through the interview he has kindly granted us we can tell he is fully dedicated to the creation of art. In his paintings we discover a passion for color. 

When did you decide to dedicate your life to art?
In my young days I often studied my father, grandfather and other members of my family while they were creating art. Through this opportunity of watching, a great love of the arts grew inside of me to which I then dedicated my life.

Tell us about your formation as an artist. In which art schools did you study and who were your main teachers.
I have studied at the University of Zagreb where I got to know Mladen Veža, a great Croatian painter. He became my professor and role model.

Would you have liked to paint in another place and era? 
I certainly would work in many parts of the world, especially in developing countries because in my mind, the arts help people in different ways: by creating something, artistic people can express their personal daily experiences or ideas of life and at the same time they are able to distract themselves from their everyday life.

In the history of art who are your favorite artists.
My favorite artist is Peter Smajić, a sculptor.

Kindly describe a typical working day in your workshop.
My work day usually starts with a walk through nature which often serves as an inspiration for new ideas. Afterwards I go to my studio and start putting these collected ideas onto canvas. Normally I don‘t stop painting until the realization of my very own idea is done/transformed onto the canvas.

How many days of the week do you dedicate to painting?
Not one day goes past when I am not painting or drawing, even if it is only sketches.

In your art work, what has more importance: inspiration or perspiration?
Oh...both

What do you prefer, oil or acrylic paint?
I prefer oil, acrylic and water colors.

Why do you prefer abstract painting over figurative painting?
Because I can express myself more freely.

Aside from painting, what other art techniques do you practice and with what regularity.
I work regularly as a sculptor.

If you had the chance to steal from any museum in the world a painting of your choice for your own collection, which one would you choose? 
Emil Schumacher.

How do you evaluate the current art scene in Croatia?
The art scene in Croatia is very innovative.

In Croatia, what does an artist have to do to sell his work?
Make many exhibitions and build a good network.















16 de septiembre de 2013

"RETABLO DE LA NATURALEZA" DE MANUEL PANTIGOSO

Nuevamente Siete Jeringas cuenta con el honor de pegar en sus páginas una colaboración del magnífico poeta peruano, Winston Orrillo. Esta vez la nota trata sobre el destacado poemario de Manuel Pantigoso.


Manuel Pantigoso (1936)

Carátula de poemario "Retablo de la naturaleza"

MANUEL PANTIGOSO CELEBRACIÓN DE LA PALABRA Y LA NATURALEZA

Por WINSTON ORRILLO

No cabe duda que, “Retablo de la Naturaleza”, poemario de Manuel Pantigoso es, en sí mismo, un libro-objeto-homenaje, tanto por la calidad intrínseca de sus creaciones verbales, en las que se hallan celebraciones a la vida en su poliédrica dimensión; así como por su desborde de belleza gráfica que simplemente pasma, y que se debe a ese gran artista que es Jesús Ruiz Durán, responsable de la edición, y autor de ilustraciones tipográficas y dibujos –en soportes analíticos y digitales- que van acompañados por imágenes intervenidas, basadas en dibujos y pinturas de los cinco nietos del autor.

Porque esto es, asimismo, el deslumbrante volumen: un ritual encomiástico a la progenie, un himno a la continuidad de la vida –tanto en la naturaleza misma, como en nuestra proyección en hijos y nietos, que jubilosamente devienen, aquí, en sui generis temática poética.

Físico, metafísico y cósmico, este libro poliédrico combina, acertadamente, lo más íntimo del amor a la familia, con la presencia del rito, de lo lúdico, de la inabarcable perspectiva de lo que Nietzsche llamaría “humano, demasiado humano”

Cuatro retablos, dos partes (“El espacio” y”El tiempo”), el poemario discurre, como un grito integérrimo de libertad, en ambientes plurales que pueden ser la poliforme geografía del Perú como la del desierto de los Emiratos Árabes, donde reside una hija del vate, casada con un ciudadano turco, con el que tiene dos vástagos Aksel y Kayla (los otros nietos son Eva, Rodrigo y Paula): lo que nos prueba la universalidad de la aventura existencial que tiene como fondo “Retablo de la Naturaleza”.

Arturo Corcuera, idóneo prologuista, señala las varias lecturas que puede tener el singular volumen (cuya sola visión es, ya, motivo de encendido placer visual): “ofrenda” y “testamento lírico”, expresa el autor de “Noé Delirante”, frente a esta presea de 30 x 18 cms, sinfonía para el placer de los ojos, que, siempre, es concomitante con la intensa poesía que, dentro de él, discurre.

Otro elemento imposible de preterir, es la presencia de la música, ya sea la de los cantos y tonadas y melodías infantiles, como una cierta atmósfera –diríamos- mozartiana, por lo lúdico, con toques de Haydn (pero nunca Wagner, es obvio).

Para los que aman la creación de palabras –cuyo magisterio es ejercido por el Vallejo de “Trilce” - en este libro abundan: podría decirse que Pantigoso nos permite asistir a la génesis del idioma, a través de los himnos a la infancia que, de este modo, es, asimismo, una votación por el futuro que yace en esa infancia, muchas veces preterida, pero que, con tanta maestría, rescata el también autor de “Amaromar”.

Démonos, pues, una vuelta y hallemos, casi al azar, “elalapluma, el albaviento,vel/ada, mar man/para, va bolavolando,solimar, verdivolando, giraflores, vaporando, vaportando, ola-mar, cinarrusel”, etcétera.

Lo anterior, sin poder dejar de mencionar, a una verdadera orgía de colores y formas, con la presencia de caligramas y sonidos que constituyen, también, característica de esta obra.

El libro, como admirable substrato, tiene un aire que respira a futuro, lo cual es paradigmático, en la nuestra, que es –o parece ser- la cultura de la tanatofilia, de la depresión endógena, del “no saber adónde vamos/ ni de dónde venimos” (trenos premonitorios de nuestro padre común, el gran nicaragüense, Rubén Darío).

“Retablo de la naturaleza”, más bien, lo inscribiríamos en esa línea de nuestro cholo inmortal, César Abraham Vallejo Mendoza, especialmente cuando apostrofa: “Solo la muerte morirá”

Estamos, pues, al principio y al final, frente a un retablo de gran poesía, que marca y demarca un derrotero que nos señala su autor, Manuel Pantigoso, ganador del Premio Nacional de Cultura del Perú, así como de numerosas preseas internacionales de América y Europa, Miembro de Número de la Academia Peruana de la Lengua, correspondiente a la Real Academia Española, autor de una docena de fúlgidos poemarios, y cuya obra, ya, discurre en varios idiomas, que avalan su calidad de Doctor en Literatura y Filología, así como la de Doctor en Educación, lo cual es sintomático, pues –lo afirmamos- MP es, por encima de todo, un maestro de aquellos que forman e informan, y al que innúmeras generaciones de estudiantes universitarios (de San Marcos y la Universidad Ricardo Palma) tienen por paradigma.

2 de julio de 2013

MILICA REINHART: CONDENADA A PINTAR; MILICA REINHART: CONDEMNED TO PAINT



Mílica Reinhart (Djakovo, 1958)

Una de las cosas gratas de las redes sociales es que se descubren artistas plásticos que están trabajando en distintas partes del mundo. En esta oportunidad nos encontramos con Milica Reinhart, una artista nacida en Croacia y que reside en Alemania. Cutiva tanto el arte figurativo como el abstracto. Aunque no la conocemos personalmente por la entrevista que nos ha concedido descubrimos que es una persona consagrada al arte. Sus respuestas son directas y breves, cual balas. No tiene tiempo que perder. 


ENGLISH : 

One of the satisfactory things of the social networks is that we find plastic artists that are working all over the world. In this opportunity we have run into Milica Reinhart, an artist born in Croatia who lives in Germany. She works both in figurative and abstract art. Though we don´t know her in person by the interview se has kindly granted us we can tell she is fully dedicated to the creation of art. Her answers are direct and brief, like bullets. She has no time to waste.

When did you decide to dedicate your life to art?
Since 1980.

Tell us about your formation as an artist. In which art schools did you study and who were your main teachers?
I am autodidact.

In the history of art, who are your favorite artists?
Frida Kahlo.

Would you have liked to paint in another place and era? 
I always paint at the place where I am.

Kindly describe a typical working day in your workshop.
I wake up at 7 o´clock each morning. Look at my walls and start painting.

How many days of the week do you dedicate to painting?
Every day.

In your art work, what has more importance: inspiration or perspiration? 
Perspiration.

Why do you prefer wall paint over oil or acrylic paint?
I don`t prefer wall paint, I like painting with everything, everywhere.

Why do you prefer abstract painting over figurative painting?
I also work figurative. I don`t show it in Facebook. Only in the painting school.

Aside from painting, what other art techniques do you practice and with what regularity? 
Aside from painting I do some workshops with different people using different stuffs and techniques.

If you had the chance to steal from any museum in the world a painting of your choice for your own collection, which one would you choose?
Mona Lisa.

In Germany, what does an artist have to do to sell his/her work?
We have to work a lot and do lots of exhibitions.


ESPAÑOL (TRADUCCIÓN):

¿Cómo fue que decidiste dedicar tu vida al arte?
Desde 1980.

Háblanos de tu formación plástica. ¿En qué escuela estudiaste y con qué maestros?
Soy autodidacta.

En la historia del arte, ¿cuáles son tus artistas favoritos?
Frida Kahlo.

¿Te hubiera gustado pintar en otro lugar y época?
Siempre pinto en el lugar en que me encuentro.

¿Cómo es un día de trabajo plástico de Milica Reinhart?
Me despierto a las 7 de la mañana. Miro a mis paredes y empiezo a pintar.

¿Cuántos días de la semana dedicas a la pintura?
Todos los días.

En tu trabajo artístico, ¿qué es más importante, inspiración o traspiración?
Traspiración.

¿Por qué prefieres pintura de pared en vez de óleo o pintura acrílica? 
No prefiero pintura de pared. Me gusta pintar con todo, en todo.

¿Por qué prefiere pintar abstracto en vez de figurativo?
También trabajo en figurativo. No lo muestro en Facebook. Sólo en la escuela de pintura.

Además de la pintura, ¿qué otras técnicas plásticas practicas y con qué regularidad?
Además de pintar hago talleres con distintas personas, utilizando distintas cosas y técnicas.

Si tuvieras la oportunidad de robar de cualquier museo del mundo una obra para tu propia colección, ¿cuál escogerías?
La Mona Lisa.

Una última pregunta. En Alemania, ¿qué tiene que hacer el artista para vender sus obras?

Tenemos que trabajar mucho y participar en muchas exhibiciones.








NIKOLAUS HIRSCHMANN: EN BUSCA DEL MUNDO INTERIOR; NIKOLAUS HIRSCHMANN:IN SEARCH OF THE INNER WORLD


                                                                     



¿Una de las cosas gratas de las redes sociales es que se descubren artistas plásticos que están trabajando en distintas partes del mundo. En esta oportunidad nos encontramos con Nikolaus Hirschmann, artista plástico alemán. Cultiva tanto el arte figurativo como el abstracto. Aunque no la conocemos personalmente por la entrevista que nos ha concedido descubrimos que tiene ideas muy claras sobre su rol en el arte. En su pintura encontramos colores vibrantes y novedosas formas.



One of the satisfactory things of the social networks is that we find plastic artists that are working all over the world. In this opportunity we have run into Nikolaus Hirschmann, a German plastic artist. He works both in figurative and abstract art. Though we don´t know him personally, through the interview he has kindly granted us we discover that he has very clear ideas about his role in art. In his paintings we find vibrant colors and original forms.





When did you decide to dedicate your life to art?
There was no decision. I live a life with art since I am born. I never saw myself out of being into art, but I never called myself an artist. This can do other people. I would call myself as a searcher. Searcher in expression of form and formlessness. 

¿Cómo fue que decidió dedicar su vida al arte?
No hubo decisión. Llevo una vida con el arte desde mi nacimiento. Nunca me he considerado fuera del arte, pero nunca me he llamado artista. Esto posiblemente lo hagan otras personas, yo me llamaría un buscador. Un buscador en la expresión de la forma y de la no forma.

Tell us about your formation as an artist. In which art schools did you study and who were your main teachers? 
My main teacher was Herr Alfred Ritter an old landscape painter from the small village - south of Germany - were I was living the first 12 years. I visited him daily from when I was 7 years old and I remember his house a little outside the village in the forest. There was this smell of color when one came in the house which catched me till today. This was the moment I became a painter. He teached me working with color. But there was nothing new. It was only remembering what I have done in past lives too. ;)
So - later I studied photography from 1973-75 in Munich at the Bayerische Staatslehranstalt für Photography. You can find some of my photographic work also at www.nikolaus-hirschmann.de click to* more hirschmann - on the left menü. 
I did not study in art schools. I studied life and there was no reason to go the academic way. I worked for 20 years as a photographer in portrait, fashion and theatre photography. from 1990 - 93 I studied at the academy of advertisement in Bonn. I stopped totally with photography 1993 and started working daily as a painter 20 years ago. But I always painted Bayerische Staatslehranstalt für Photography. painting on photos 1974. I dropped the 6x6 Rollei camera and ordered canvas 1993. 

Háblenos de su formación plástica. ¿En qué escuela estudió y con qué maestros?
Mi profesor principal fue Herr Alfred Ritter, un viejo pintor de paisajes, de la pequeña aldea –al sur de Alemania- donde viví mis primeros doce años. Lo visitaba a diario desde los siete años de edad y recuerdo su casa ubicada un poco afuera de la aldea en el bosque. Había un olor a color desde que uno entraba a la casa, el mismo que me tiene capturado hasta la fecha. Este fue el momento en que me convertí en pintor. Me enseñó trabajando con el color. Pero no había nada de nuevo. Era tan solo recordar lo que yo había hecho en vidas pasadas. ;)
Luego estudié fotografía en Munich desde 1973 a 1975 en el Bayerische Staatslehranstalt für Photography. También puede encontrar algo de mi trabajo fotográfico en www.nikolaus-hirschmann.de. Haga click* more Hirschmann – en el menú a la izquierda.
No estudié en escuelas de arte. Estudié la vida y no había razón para seguir el camino académico. Trabajé durante veinte años como fotógrafo de retratos, moda y fotografía de teatro. Desde 1990 – 1993 estudié en la academia de publicidad en Bonn. Paré totalmente con la fotografía en 1993 y hace veinte años trabajó a diario como pintor. Pero siempre pinté en Bayerische Staatslehranstalt für Photography. Pinté sobre fotografía en 1973. Puse de lado la cámara 6x6 Rollei y compré lienzos.



Would you have liked to paint in another place and era?
No. Why? Maybe I already did in past lives. But only the "Now" is of interest because it is the only reality: now.

¿Le hubiera gustado pintar en otro lugar y época?
No. ¿Para qué? Quizás ya lo hice en vidas pasadas. Pero sólo el “Ahora” me interesa porque es la única realidad: ahora.

In the history of art who are your favorite artists.
Leonardo, Velasquez, Raffael, Dürer, Van Gogh, Gauguin, Matisse, Klee, Twombly, Baselitz, Penck, Clemente, Schwontkowski, de Maria.

De la historia del arte, ¿quienes son sus artistas favoritos?
Leonardo, Velasquez, Raffael, Dürer, Van Gogh, Gauguin, Matisse, Klee, Twombly, Baselitz, Penck, Clemente, Schwontkowski, de Maria.


Kindly describe a typical working day in your workshop.
I do not give workshops. I work in a small studio. 3 hours a day. Every day. Its 2 rooms. 1 for work. 1 for the works.

¿Favor describa un típico día de trabajo en su taller?
No doy talleres. Trabajo en un pequeño estudio. Tres horas al día. Todos los días. Tiene dos cuartos. Uno para trabajar y otro para ordenar mis trabajos.

How many days of the week do you dedicate to painting?
Every day. But not more than 3 hours. Its enough.

¿Cuántos días de la semana dedica a la pintura?
Todos los días. Pero no más de tres horas. Es suficiente.



In your art work, what has more importance: inspiration or perspiration?
no perspiration. never. my work comes from within. my own self. which is free from perspiration and suffering. suffering is not necessary for good art. a harmonic person can create harmonic work, which uplifts people and brings them in contact with their higher self. art is a spiritual habit for me.

En su trabajo artístico, ¿qué es más importante, inspiración o traspiración?
Traspiración, no. Nunca. Mi trabajo proviene desde mi interior. Mi propio ser. El cual está libre de traspiración y sufrimiento. El sufrimiento no es necesario para el buen arte. Una persona en armonía puede crear trabajo armónico, que levante el ánimo de las personas y los pone en contacto con su yo superior. Para mí el arte es un hábito espiritual.

Why do you prefer wall paint over oil or acrylic paint?
I prefer nothing. I want to work quick out of the moment, out of transcendence. So I use acrylics, which dries quickly. I would use oil because of the structure but the process to dry is too long. I work on my paintings again and again and so I use acrylics. Sometimes I work on 15 year old paintings and someday they are finished or not. Because of this some of my paintings are heavy weight. There can be 5 paintings on one canvas ;) I work till I know it´s finished. This can be with the first paint, but can also take some years.

¿Por qué prefiere pintura de pared en vez de óleo o pintura acrílica?
No tengo preferencias. Deseo trabajar rápido, en el momento. De manera que utilizo acrílicos, los cuales secan rápido. Utilizaría aceite debido a su estructura pero el proceso de secado es demasiado largo. Trabajo en mis pinturas una y otra vez y por tanto uso acrílicos. A veces trabajo en cuadros que tienen quince años, a veces logró terminarlos y otras veces no. Debido a esto, algunos de mis cuadros son pesados. Puede haber cinco cuadros en un lienzo;) trabajo en el cuadro hasta que sé que está concluido. Esto puede ser con la primera pintura, pero también puede durar algunos años.


Why do you prefer abstract painting over figurative painting?
I don't. There is no such system in my work. I do abstract today and tomorrow realistic or surreal or hotchpotch. Anyway...no limits in systems. Only searching for the finer things. Max Ernst said: A painter who has found his style is a dead painter. Always looking for this which wants to be created by some higher force inside.

¿Por qué prefiere pintar abstracto en vez de figurativo?
No lo prefiero. No existe ningún sistema en mi trabajo. Hoy hago abstracto y mañana hago realista o surrealismo o una mezcolanza. De cualquier manera... no hay límites en sistemas. Solo hay búsqueda de cosas superiores. Max Ernst dijo: Un pintor que ha encontrado su estilo, es un pintor muerto. Siempre a la búsqueda de aquello que desea ser creado por alguna fuerza superior interior.

Would you consider you work as naive?
If Paul Klee was naive - I would say yes. But there was never any consideration about in which concept my work can be found. About this some art historians can think about later.
I don't. There is no such system in my work. I do abstract today and tomorrow realistic or surreal or hotchpotch. Anyway...no limits in systems. Only searching for the finer things. Max Ernst said: A painter who has found his style is a dead painter. Always looking for this which wants to be created by some higher force inside.

¿Considera a su arte como naïve?
Si Paul Klee fue naive, entonces yo diría sí. Pero nunca hubo alguna consideración respecto en qué concepto mi trabajo puede considerarse. Al respecto, más adelante habrá que encargar esta tarea a algunos historiadores del arte. Yo no lo haré. No existe tal sistema en mi trabajo. Hoy hago abstracto y mañana realista o surrealista o mezcolanza. Como sea… no hay límites en sistemas. Sólo hay búsqueda de las cosas superiores. Max Ernst dijo: el pintor que ha encontrado su estilo es un pintor muerto. Estoy siempre a la búsqueda de cosas que desean ser creadas por alguna fuerza superior interior.


Aside from painting, what other art techniques do you practice and with what regularity.
None. Techniques are for those who are technicians. Art is a flow and I never think about techniques or something like this. One has to come into the flow and then there is no more thought on any technique.

Además de pintura, ¿qué otras técnicas plásticas cultiva y con qué frecuencia?
Ninguna. Las técnicas son para los técnicos. El arte es un flujo y nunca pienso sobre técnicas o cosas parecidas. Uno tiene que entrar al flujo y luego ya no hay más pensamiento sobre cualquier técnica.

If you had the chance to steal from any museum in the world a painting of your choice for your own collection, which one would you choose?
First: I would not steal a painting. But if they would give me one as a present/offer, I would choose a small Leonardo painting of a female head. Not the Mona Lisa. There are perfect others too. He was the perfect artist and scientist both. A perfect holistic life.

Si tuviera la oportunidad de robar un cuadro de su gusto para su colección de cualquier museo en el mundo, ¡cuál escogería?
Primero: yo no robaría un cuadro. Pero si me dieran uno como regalo/ofrecimiento, yo escogería una pequeña pintura de la cabeza de una mujer por Leonardo. No sería la Mona Lisa. También existen otros cuadros perfectos. Él fue el perfecto artista y científico. Una perfecta vida holística. 


How do you evaluate the current art scene in Germany?
The art scene everywhere in the world, Germany also, is dictated by some very big galleries from New York and their taste has become the taste of gallerists all over the world. There is nearly no individualist among gallerists. They are these grey men, partly frustrated by their own life and like Vampires living by the creativity of others. So the scene is dictated by money and how to make superstars. The interest is not in quality, it is in something not yet seen before and because of this lack of tradition most of today's art has a lack of quality. But there are always exceptions...

¿Cómo evalúa la actual escena artística en Alemania?
La escena artística en todas partes del mundo, Alemania incluida, está dictada por algunas enormes galerías de Nueva York y su gusto se ha convertido en el gusto de galeristas en todas partes del mundo. Casi no existen individualistas entre los galeristas. Son estos hombres grises, frustrados parcialmente por sus propias vidas y son como vampiros que viven de la creatividad de otros. De manera que la escena está dictada por el dinero y cómo crear superestrellas. El interés no reside en la calidad, reside en algo aún no visto antes y debido a esta ausencia de tradición, la mayoría del arte actual carece de calidad. Pero siempre hay excepciones…

In Germany, what does an artist have to do to sell his/her work?
I don't know. The same as everywhere in the world. Looking for contacts. Showing it. Not only in facebook. Looking to get good exhibitions. Looking to meet people, who are really interested in good art. And last but not least create good art.

En Alemania, ¿qué debe hacer un artista para vender sus obras?
No sé. Lo mismo que en cualquier parte del mundo. Buscar contactos. Mostrarlas. No solo en Facebook. Obtener buenas exhibiciones. Conocer personas que están interesados en arte de calidad. Y por último y no menos importante, crear arte de calidad.